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Qattara

INTAKT CD 078

 

Qattara ist eine Senke in der lybischen Wüste, deren Niveau unter dem Meeresspiegel liegt. Vor ein paar Jahren ging Co Streiff über den Boden dieser Senke, der ursprünglich Meeresboden war. Es klirrte und knisterte beim Drüberlaufen, denn die Erde ist voll flacher tellerförmiger Steine mit einem Durchmesser zwischen zwei und sechs Zentimetern. Wenn man sie aufhebt und ihre brüchige Schale zerdrückt, wie Co es getan hat, dann kommen versteinerte spiralförmige Meerestiere zum Vorschein. Meerestiere in der Wüste.

Die aegyptische Wüstenlandschaft mit heissen windigen Tagen und klaren kalten Nächten hat der ersten CD des Co-Streiff-Sextetts nicht nur den Namen gegeben, sondern prägt auch ein Stück weit ihre Musik. Denn nicht erst seit dem Nomadisieren mit dem Circus Theater Federlos oder der Gruppe Kadash zieht es Co nach Afrika, nach Nordafrika. Sie liebt die arabische Volksmusik, den rauen Klang der Instrumente, das Karge, Ungeschliffene und Ursprüngliche des Materials. In "A Message from Thule" klingt das an, wenn Tommy Meier ein Blasinstrument spielt, das an arabische Doppelrohrblattinstrumente mit ihrem quäkenden Ton erinnert. Da ist es dann auch egal, dass Thule eigentlich die Hauptstadt Grönlands ist und nichts mit der Wüste zu tun hat. Ebenfalls egal ist es, dass da kein arabisches Instrument zu hören ist, sondern eine mit einem Doppelrohrmundstück versehene abgesägte Dudelsackpfeife. Und noch egaler, dass die Melodie von schamanischem Gesang aus Sibirien inspiriert ist. Was zählt, ist die musikalische Atmosphäre, und die lässt keine Zweifel offen.

Co Streiff und ihr Weggefährte und Bandmitglied Tommy Meier reisten nicht nur zusammen durch die Wüste, sondern wären auch beinah drin umgekommen. Eine Autopanne, zu wenig Wasser, verunsicherte Führer - plötzlich wurde der Wüstentrip zur existenziellen Reise. Wie stark dieses Erlebnis war, manifestiert sich in den ersten fünf Stücken, die als Wüstensuite konzipiert ist. Das Klirren der versteinerten Meerestiere klingt am Anfang von "Ra" an. In "Qattara" könnte man beim Zuhören schier verdursten: Dumpfe erstarrte Bläsertöne zu in sich kreisenden Tastentönen evozieren die Weite und Verlorenheit der Wüste. Und in "Darb el-Mahashas" gibt das Balafon Farbe und Rhythmus vor, ein nigerianisches Xylofon, im Co-Streiff-Sextett-Slang auch Kuhklavier genannt, weil Kuhhörner als Resonanzkörper dienen.

Die Volksmusik ist wichtig, schon nur weil es Federlos und Kadash nicht mehr gibt, Aber sie ist nicht das Einzige. Co und Sextett lieben den Wechsel der Welten. Fühlen sich verwandt mit Sun Ra oder dem Art Ensemble of Chicago, die alles zusammenmixten, was ihnen unter die Ohren kam. Sun Ra, der Exzentriker mit goldenem Mantel und Helm, dessen Antennen ihn direkt mit Saturn verbanden. Mit den Wurzeln fest im Jazz verankert, benutzte auch er Versatzstücke aus allen möglichen Volksmusiken und kreierte seine persönliche musikalische Welt. Ein Greuel für Puristen, ein Fressen fürs Sextett. Musik von Sun Ra taucht in "Gebrselassie" auf, einer Zeitlupen-Hommage an den äthiopischen Langstreckenläufer, der grinst und strahlt und läuft und durch nichts aus dem Rhythmus zu bringen ist. Schlagzeuger Fredi Flükiger spielt eine langsame Schlaufe, dazu erzeugen präpariertes Klavier, Bass mit Wäscheklammern und gedämpfte Saxofone einen beinah surrealen Klang.

"Nonaah" des Saxofonisten Roscoe Mitchell zeugt von einer weiteren grossen Liebe, der zum Art Ensemble of Chicago und ihrer "Great Black Music". Vom Art-Ensemble-Saxofonisten Mitchell stammt auch der Begriff "Vamp", der hier etwas anderes bedeutet als üblich und einiges über Arbeitsweise und Stil des Co-Streiff-Sextetts aussagt. Ein Vamp ist eine kleine Phrase, ein Fragment, das sich jede und jeder aus dem musikalischen Thema holt und beliebig oft wiederholt. Die Einzelteilchen laufen selbständig, verzahnen sich ineinander, mal verschieben sie sich, mal gleichen sie sich an, das funktioniert wie ein musikalisches Rad, dynamisch und statisch zugleich. "Schrottmaschine" nennt das Sextett diesen Prozess.

Auch "Blues for Zen" stammt von einem Art-Ensemble-Mitglied, dem Saxofonisten Joseph Jarman und hat wieder unverkennbar afrikanischen Touch, der allerdings durch das geräuschhafte Bassintro von Christian Weber gebrochen wird. Dieses Basssolo steht für die europäische Traditionen in der Band, ebenso die Akkordeoneinwürfe von Tastenmann Ben Jeger, der auch ein Flair hat für elektronische Urinstrumente wie die Farfisaorgel in "Siwa" oder das Clavinett, das den Wahwah-Effekt in "NowNow!" beisteuert.

Ureuropäisch auch die freie kollektive Improvisation und das Improvisieren nach Konzepten. Die Kompositionen der Band sind anfangs oft einfach Ideen, die klanglich und strukturell noch nicht festgelegt sind. Wo mal die eine, mal der andere eine solche Rohform mitbringt, wo alles Weitere zusammen erarbeitet und erimprovisiert wird, da braucht es starke Individuen. Je nach Situation gibt’s verschiedene Rollen zu leben, den Ueberblick zu behalten, das Chaos zu ordnen, Abläufe zu strukturieren, Vages auf den Boden holen, das Richtige im richtigen Moment zu tun, an der Rampe zu glänzen, im Hintergrund zu bleiben, zuzudienen, aufzufangen oder den Joker zu spielen. Da wird soziale Kompetenz in hohem Mass gefordert und im Idealfall gelebt. Ein solcher Idealfall ist neben der Kollektivimprovisation das perfekte Nicht-Ganz-Zusammenspielen. Das hat mit Individualität der einzelnen eben so zu tun wie mit Hörkultur in der Band. Bestens zu hören beispielsweise in den Unisonostellen der Bläser, in "Blues for Zen" etwa oder in den Anfängen von "Qattara" und "A Message from Thule". Da singt der Trompeter Christoph Gantert eine Melodie vor, die Co auf dem Sopransaxofon wie aus dem Augenblick heraus aufgreift und sie um Sekundenbruchteile verschoben nachsingt. Diese winzigen Verschiebungen sind gewollt und entwickeln einen archaischen Reiz - wie wenn ein Mensch irgendwo eine Melodie anstimmt und die anderen ringsum einfallen.

Für diese CD leistete sich das Sextett einen musikalischen Berater, den New Yorker Hornisten und Produzenten Tom Varner. Einen Teil der Verantwortung abzugeben war befreiend für Co Streiff, für die eine Sache immer wichtiger wird: Musik zu machen, die ihr beim Spielen und beim Zuhören gefällt. Welche Musik würde sie mit ihrer Band selber gerne hören? Dieses Motto steht hinter den 11 Stücken von Qattara, in denen das Co-Streiff-Sextett oft einen starken Groove entwickelt und beinah tanzbandmässig aufspielt. Co Streiffs vielfältige Erfahrungen beim Circus Theater Federlos, bei Kadash, beim Vienna Art Orchestra und im Duo mit der Pianistin Irène Schweizer bündeln sich in einer Mischung, die es eigentlich gar nicht gibt: Die Musik des Co-Streiff-Sextetts ist lustvoll und kompromisslos zugleich.

Lislot Frei

"Nusnus" widmet Co ihrem Zwillingssohn Kaspar, "NowNow!" ihrer Zwillingstochter Laura.

 

 

 

 

 

 

Qattara

Qattara is a depression in the Libyan desert situated below sea level. A few years ago, Co Streiff walked over the bottom of this depression, which originally was the bottom of a sea. It rustled and crackled as she walked across it, since the earth is full of flat dish-shaped stones with a diameter between two and six centimeters. If you pick them up and press their brittle shell, like Co did, then petrified spiral-formed sea animals appear. Sea animals in the desert.

Not only did the Egyptian desert landscape – with its hot windy days and clear and cold nights – give Co Streiff the name of her first sextet CD, but it also characterizes, to a certain degree, her music. Co did not feel compelled to go to Africa, to North Africa, solely due to her nomadic life with the Circus Theatre Federlos or the group Kadash. She loves Arabic folk music, the raw sound of the instruments, the barren, the unpolished and original quality of the material. You can hear this in «A Message from Thule», when Tommy Meier plays a wind instrument that reminds one of an Arabic double reed instrument with its squawking sound. Then it really doesn’t matter that Thule is the capital of Greenland and has nothing to do with the desert. It also doesn‘t matter that you‘re not listening to an Arabic instrument, but rather to a cut off bagpipe fitted with a double-reed mouthpiece. And it is even less important that the melody was inspired by shamanistic singing from Siberia. What counts is the musical atmosphere and that leaves no room for doubt.

Not only did Co Streiff and her companion and band member Tommy Meier travel through the desert, but they almost perished there. A car breakdown, too little water, insecure guide – suddenly the desert trip became an existential experience. Just how strong this experience was is manifested in the first five pieces, which are conceived of as a desert suite. The beginning of «Ra» hints at the crackling of the petrified sea animals. In «Qattara» one nearly dies of thirst while listening: muffled wind tones change into key tones, circling themselves, evoking the scope and forlornness of the desert. And in «Darb el-Mahashas» color and rhythm are given by the balafon, a Nigerian xylophone, also called the «cow-piano» in the sextet slang, because the horns of cows serve as resonance bodies.

The folk music is important simply because Federlos and Kadash no longer exist, but that is not the only reason. Co and Sextet love the change of worlds. They feel related to Sun Ra or the Art Ensemble of Chicago, both of whom mixed everything that sneaked into their ears. Sun Ra, the eccentric with golden coat and helmet, whose antenna connected him directly to Saturn. With his roots firmly planted in jazz, he also transplanted all kinds of folk music and created his own personal musical world: a horror for purists, a great feast for the sextet. Music from Sun Ra appears in «Gebrselassie,» a slow motion homage to the Ethiopian long distance runner who grins and beams and runs, and no one can get him out of his own rhythm. Drummer Fredi Flükiger plays a slow loop, to which a prepared piano, double bass with clothepins and muffled saxophone produce a nearly surrealistic sound.

«Nonaah», written by saxophonist Roscoe Mitchell, testifies to a further great love: for the Art Ensemble of Chicago and their «Great Black Music.» The concept «vamp» originates from the Art Ensemble saxophonist Mitchell, a term which here means something other than normal and says a bit about the style and working methods of the Co Streiff sextet. Here a vamp is a small phrase, a fragment that is picked out of the musical theme and repeated on and on. The individual parts run on their own, interlock or slip away from each other, then adapt back to each other: turning like a musical wheel, dynamic and static at the same time. «Scrap machine» is what the sextet calls this process.

«Blues for Zen» is written by another Art Ensemble member, the saxophonist Joseph Jarman, and has an unmistakable African touch, which, however, is broken by the noiselike bass intro from Christian Weber. This bass solo stands for the European tradition in the band, as do the accordion inserts from key man Ben Jeger, who also has a flair for archaic electronic instruments such as the Farfisa organ in «Siwa» or the Clavinet, which chips in to the wah-wah effect in «NowNow!»

The European element is also present in the free collective and the conceptual improvisations. Initially the band‘s compositions are often just ideas that are tonally or structurally yet undetermined. Wherever one or the other brings along such raw forms, where everything else is worked out together, this needs strong individuals. According to the situation, there are various roles to live, to retain the overview, to order the chaos, to structure the things as they pass, to bring the vague back to earth, to do the right thing at the right time, to shine on the stage, to stay in the background, to deal the cards, to begin the game or play the joker. This demands musical and social competence which is lived in the ideal case. Such an ideal case, next to the collective improvisation, is their deliberately untight unison-playing. This has as much to do with the individual being of each member as it does with the listening culture in the band. It is best heard, for example, in the unisono parts of the winds, like in «Blues for Zen» or in the beginnings of «Qattara» and «A message from Thule». The trumpeter Christoph Gantert plays a melody, which Co Streiff takes up in an instant, plays and shifts, all in a fraction of a second. These tiny shifts are intentional and develop an archaic attraction – like when a human somewhere sings a melody and all around join in.

For this CD, the sextet treated themselves to a musical adviser, the New York French horn player and producer Tom Varner. Giving away a part of the responsibility was liberating for Co Streiff, for whom one thing has become more and more important: making music that pleases her when she plays and listens. What kind of music would she like to hear with her band? This motto stands behind the eleven pieces on Qattara, in which the Co Streiff Sextet often develops a strong groove and nearly plays like a dance band. Co Streiff’s various experiences with the Circus Theatre Federlos, with Kadash, with the Vienna Art Orchestra and in her duo with pianist Irène Schweizer have bundled up into a mixture that really doesn’t exist: the music of the Co Streiff Sextet is playful and without compromise at the same time.

Lislot Frei

Translation: Bruce Carnevale

Co dedicates "Nusnus" to her twin son Kaspar, "NowNow!" to her twin daughter Laura.

 

 

QATTARA

Qattara è il nome di un avvallamento nel deserto libico più basso del livello del mare. Alcuni anni fa Co Streiff attraversò a piedi quello che un tempo era stato un fondo marino accompagnata da un cigolio, da uno scricchiolio costante causato da un tappeto di dischetti di pietra del diametro di due, sei centimetri. Se, come fece Co, si raccolgono e con le mani se ne spezza la friabile crosta saltano fuori dei fossili di animaletti marini a forma di spirale. Abitanti del mare nel deserto.

Il paesaggio del deserto egiziano, caratterizzato da giorni ventilati e canicolari, da notti chiare e fredde, non solo ha dato il nome al primo disco del sestetto di Co Streiff ma ha anche in buona parte influenzato la musica che lei fa. Il suo interesse per l’Africa, per il Nordafrica, è anteriore al suo nomadismo con il Circus Theater Federlos, alla sua collaborazione con il gruppo Kadash. Una sua passione è la musica tradizionale araba: il ruvido suono degli strumenti, le qualità degli ingredienti, grezzi, originari, dosati con parsimonia. Un assaggio si ha in "A Message from Thule" nel quale Tommy Meier suona uno strumento a fiato che ricorda, per il suono lamentoso, certi strumenti africani ad ancia doppia. E non importa che Thule sia da cercare più in Groenlandia che nel deserto; tantomeno che lo strumento udito non sia uno strumento arabo ma una cornamusa modificata. Fa una differenza se a questo punto aggiungiamo che la melodia è ispirata a canti sciamanici siberiani? Ciò che conta è l’atmosfera musicale e quest’ultima è indiscussa.

Quello che Co Streiff e il suo compagno di strada e membro della band, Tommy Meier, intrapresero non fu solamente un viaggio attraverso il deserto ma anche un appuntamento mancato per poco con la morte. Una panne, troppo poca acqua e delle guide diventate insicure tramutarono un’escursione nel deserto in un viaggio esistenziale. La forza di quest’esperienza si riflette nei primi cinque brani concepiti come una suite del deserto. Lo scricchiolio dei fossili marini è presente nell’inizio del brano „Ra“; l’ascolto di „Qattara“ potrebbe tramutarsi in una morte per dissetamento: dai fiati escono suoni sordi e congelati che abbinati ai suoni circolari continui delle tastiere evocano lo spazio infinito e la vacuità del deserto. In "Darb el-Mahashas" il colore e il ritmo sono definiti dal balafong, uno xilofono nigeriano, che i membri del sestetto chiamano „Kuhklavier“ („piano-vacca“) dato che la cassa armonica è costituita da corni bovini.

Il ruolo della musica tradizionale è importante anche solo per il fatto che i progetti Federlos e Kadash ormai sono morti, ma non è un ruolo esclusivo: Co e il suo sestetto amano il passaggio da un mondo all’altro, si sentono vicini a Sun Ra, all’Art Ensemble of Chicago, che mischiavano tutto ciò che passava loro per le mani. Sun Ra, l’eccentrico con mantello d’oro e casco munito di antenne che lo mantenevano in contatto diretto con Saturno, aveva le radici ben piantate nel jazz e nello stesso tempo prelevava i tasselli che gli servivano da tutte le possibili tradizioni di musica popolare creando così un proprio mondo musicale. Un orrore per i puristi, un’abbuffata per il nostro sestetto. La musica di Sun Ra ci viene incontro nel brano „Gebrselassie“, un omaggio al rallentatore all’instancabile podista etiope che sempre sorride e corre e non si lascia mai distogliere dal suo ritmo. Dalla batteria di Fredi Flükiger sale una lenta coda di suoni alla quale si aggiunge una musica quasi surreale prodotta da un pianoforte preparato, da un basso al quale sono state applicate delle mollette, da sassofoni attutiti.

„Nonaah“ del sassofonista Roscoe Mitchell è la prova di un altro grande amore; quello per l’Art Ensemble of Chicago con la sua „Great Black Music“. Mitchell è anche colui che ha coniato il termine „Vamp“ in un accezione che è diversa da quella comune e che ci dice molto sullo stile e sul modo di lavorare del sestetto di Co Streiff. Un „Vamp“ è una breve frase, un frammento, che ogni musicista può estrarre dal tema musicale e ripetere a piacimento. Le particelle corrono da sole, si aggrovigliano, una volta si spostano, un’altra si appaiano; paragonabili ad una ruota musicale, dinamica e statica nel contempo. Per questo processo il sestetto ha trovato un nome: „Schrottmaschine“ („la macchina dei rottami“).

Anche il pezzo „Blues for Zen“ proviene da un membro dell’Art Enseblme, precisamente dal sassofonista Joseph Jarman, e possiede un tocco palesemente africano che però viene spezzato dal rumoroso basso iniziale di Christian Weber. Questo assolo con il basso è il rappresentante della tradizione europea nella band, così come lo sono i contributi della fisarmonica dell’uomo alle tastiere, Ben Jeger, che non nasconde la sua passione per i primi strumenti elettronici, come l’organo Farfisa in „Siwa“, oppure il Clavinett, responsabile dell’effetto „uah-uah“ in „NowNow!“.

Di autentica memoria europea sono anche la libera improvvisazione collettiva e l’improvvisazione concettuale. In un primo stadio le composizioni della band sono spesso delle semplici idee, sonoramente e strutturalmente non ancora definite, introdotte poi da uno o dall’altro, per essere in seguito sviluppate assieme; e questo funziona solo con musicisti solidi. I ruoli variano secondo le situazioni, bisogna mantenere il controllo, ordinare il caos, strutturrare il flusso, definire ciò che è ancora vago, bisogna fare la cosa giusta nel giusto momento, brillare sul proscenio, tenersi in dietro, servire, captare oppure giocare l’asso nella manica. La competenza sociale è qui richiesta in modo decisivo e, nel caso ideale, viene anche vissuta. Uno di questi casi ideali, accanto all’improvvisazione colettiva, è dato dal perfetto „non-suonare-proprio-assieme“ che dipende sia dalle singole individualità sia dalla capacità di ascoltare propria della band. Esempi se ne trovano p.es. nei passaggi all’unisono dei fiati in „Blues for Zen“, nelle prime battute di „Qattara“ e in „A Message from Thule“. Qui il trombettista Christoph Gantert si produce in una melodia subito ripresa dal sassofono alto di Co e riprodotta con uno scarto di decimi di secondo. Questi scarti minimi sono voluti e producono uno stimolo arcaico - come quando, da qualche parte, una persona intona una melodia che coinvolge tutti quelli che stanno attorno.

Per la realizzazione di questo disco è stato ingaggiato un consulente, il cornista e produttore newyorkese Tom Varner. Per Co Streiff è stata un pò una liberazione quella di poter scaricare una parte della responsabilità, potendosi dedicare maggiormente a ciò che per lei assume sempre più importanza: ascoltare e fare la musica che le piace. Qual’è la musica che vorrebbe ascoltare assieme alla sua band? Questo è il motto che sta dietro agli undici pezzi di „Qattara“, nei quali il sestetto riesce spesso a sviluppare un forte „groove“ e sembra addirittura scatenare la voglia di ballare. Le molte esperienze di Co Streiff con il Circus Theater Federlos, con Kadash, con la Vienna Art Orchestra e nel duo con la pianista Irène Schweizer si fondono in una miscela che in realtà non esiste nemmeno: la musica del sestetto di Co Streiff è insieme gaia e senza compromessi.

Lislot Frei

Co dedica il pezzo „Nusnus“ al figlio gemello Kaspar, „Nownow“ alla figlia gemella Laura.

INTAKT CD 078